Claudio Ferrari

FIGURA PROLETARIA

Claudio — Thu, 10 Sep 2009 15:57:08 +0000

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Figura proletaria

La mia attività artistica è luogo delle mie problematiche irrisolte. Come in una fonderia il materiale fuso, una volta colato, dà origine a un’ulteriore forma, così le mie questioni vitali irrisolte, proiettate nel mio lavoro e a loro volta fuse, danno origine a un “doppio di me stesso”.

È stata la mia esperienza di paternità a costituire l’incipit di questo ciclo di lavori. Davvero non ho resistito (ahimè lo so, forse avrei dovuto) alla tentazione di tradurre in “statuetta” un’esperienza che, in un modo o nell’altro, coinvolge quasi tutti gli uomini.

Il riferimento al tema del padre con il bimbo mi sembrava così palese, da considerare superfluo dare un titolo a questo ciclo di lavori. Molti spettatori però, nell’ambiente di estrazione cristiana nel quale io opero e dal quale anch’io provengo, preferiscono identificare la figura del bimbo sulle spalle con “san Cristoforo”, piuttosto che in quella di “padre con figlio”.

Non riconosco come intenzionale la rappresentazione di san Cristoforo e non faccio riferimento né all’idea del dio di Abramo, che ritengo logora, né alla super-elaborazione della problematica che Gesù di Nazareth ebbe con suo padre (di cui la storia di san Cristoforo è uno dei tanti echi).

Per evitare questa interpretazione equivoca, ho cercato un titolo che meglio esprimesse la mia ispirazione.

“Statuetta” è un titolo che mi ha tentato per il suo richiamo alla concretezza, ma che ho scartato perché avevo artisticamente bisogno di più succulenza narrativa, essendo la concretezza un approdo sicuro ma, nella mia attuale fase, un ramo avvizzito.

Mi è poi venuto in mente il termine “Figura”, parola spesso usata nella tradizione scultorea e adatta, secondo me, ad introdurre in una dimensione su cui di sovente mi trovo a riflettere: la sacralità.

“ “Sacro” è parola indoeuropea che significa “separato”. La sacralità, quindi, non è una condizione spirituale o morale, ma una qualità che inerisce a ciò che ha relazione e contatto con potenze che l’uomo, non potendo dominare, avverte come superiori a sé, e come tali attribuibili a una dimensione, in seguito denominata “divina”, pensata comunque come “separata” e “altra” rispetto al mondo umano. Dal sacro l’uomo tende a tenersi lontano, come sempre accade di fronte a ciò che si teme, e al tempo stesso ne è attratto come lo si può essere nei confronti dell’origine da cui un giorno ci si è emancipati.” (Umberto Galimberti, Orme del sacro, ed. Feltrinelli, XI 2000, pag. 13)

Ben presto però, anche “ Figura”, mi è apparso un titolo inadeguato. Un sostantivo, così assolutizzato, mi sembrava che irrompesse, piuttosto che accedere, nel mondo del sacro; mi sembrava sprigionasse un’energia sproporzionata rispetto alle mie forze effettive. La statuetta inoltre, è una, ma la figura rappresentata è una… più una.

Ho pensato, infine, all’espressione “Figura proletaria”, dove il termine “proletario” è assunto, qui, nell’accezione etimologica: “colui che ha solo la prole”.

La parola “proletario” riecheggia anche la parabola storica compiuta dalla “dittatura del proletariato”; un’ ideale che, logoratosi, è infine tramontato. La dittatura del proletariato ha, pur tuttavia, fatto parte dei sogni, qui in Europa, delle esigenze e delle speranze di giustizia sociale, di molti adolescenti della mia generazione. La mia giovinezza è finita, e con essa anche la visione di una siffatta giustizia sociale.

Nel mio vocabolario, la parola “dittatura” è stata decisamente relegata tra le parole inerenti all’infamia. La parola “proletario”, invece, ritiene ancora in se’ l’immaginario collettivo e gli ideali di miglioramento sociale di una generazione di giovani, che è la mia generazione. Per questo “proletario” evoca in me profonde suggestioni, ideali e ideologiche; e non solo: conscio del suo significato etimologico, il termine esercita ora, dopo l’esperienza della paternità, una nuova seduzione, un forte fascino che alimenta quella succulenza narrativa di cui andavo in cerca nella mia arte.

È proletario chi non possiede nulla all’infuori dalla prole….la prole e …la propria pelle…

L’ aggettivo “proletario”, svestendo addirittura le figure, non solo ne lustra bene bene il nudo, ma provvede a fornire “avere ed essere”.

La condizione per “essere” proletari è “avere” prole! In qualche modo il figlio non dovrà mai separarsi dal padre, pena la fine della funzione di quest’ultimo.

Avere ed essere: ecco due paradigmi che si snodano, s’intrecciano, si fondono in diverse proporzioni nel doppio di me stesso e si concretizzano in queste figure.

Nelle figure, sempre ritte, la gamba portante mantiene il contatto con l’humus del suolo, l’identità.

L’altra gamba si spinge in una determinazione ambulatoria, tenta un passo…per accedere a…

Claudio Ferrari, Settembre 2009

ÜBER CLAUDIO’S MALEREI

Claudio — Thu, 20 Nov 2008 18:50:50 +0000

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Claudio’s Bilder entstehen frei von illustrativer Absicht: Erstellung des Malgrundes, dann Auftragen der Farbe. Später, fast am Ende des Zyklus folgt die intellektuelle Attribuierung:

Titel, Leitfäden, Konzepte entstehen.“ Produktion“ zur Überprüfung der künstlerischen Haltung.

Das Zeigen gilt als „Zollstock des Glaubens“

Die Malerei der letzten 10 Jahre umfasst drei Zyklen:

Leinwandschaften

Dialeinwände

Versioni

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LEINWANDSCHAFTEN

Der Titel des Zyklus ist ein Wortspiel aus Leinwand und Landschaft

Die Augen, mit Wahrnehmung geladen, führen die Hand zur Leinwand.

Die Formen schweben in einem „noch-nicht-mehr“ Zustand.

DIALEINWAENDE

Die Titel weisen in ihrem Namen das griechische Präfix „dia“ auf, im Sinne von „durch“, um eine Spannung auszudrücken, die zwischen zwei am weitesten von einander entfernten Positionen besteht.

So „Dia-volo“,der Teufel, der den Gegenpol zu allen Positionen einnimmt.

So „Dia-logo“, als zwischen zwei gesprochenen Worten entstandene Erlebenswelt.

So wird das Wort „Diàmine“ im italienischen wie das Wort „Potz“ verwendet. Das italienische Wort leitet sich ab aus einer Mischung von Diavolo (Teufel) und Domine(Herrgott). Potz beschreibt in Flüche die Entstellung des Wortes „Gott“. Potztausend ist eine Steigerung von potz-sieben-schlapperment, bezogen auf die Sakramente.

VERSIONI

Der jugendliche Wunsch die Welt zu erobern führt zur Angst vor der Vielfältigkeit der Natur. Dort, an den Grenzen, wo sich der Titanismus erschöpft, öffnet sich die Sicht auf die Möglichkeit eines Sieges der Malerei. Die „Versionen“ verbildlichen diesen Kampf an den Grenzen, zwischen dem Land der Malerei und den benachbarten Ländern.

Was ist die Aufgabe des Künstlers?

Was wäre die Natur ohne seine „Versionen“?

NOCH-NICHT-MEHR

Claudio — Mon, 27 Oct 2008 06:49:28 +0000

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cccferrari für die Ausstellung im Rathaus-Galerie, Haselünne, D. Feb. 2009

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NOCH-NICHT-MEHR

Das Bewusstsein des Schadens,

das jedes Tun unvermeidlicher Weise

anrichtet, erweckt in dem Menschen

den Gedanken eines radikalen

Verzichts: die Welt nicht-mehr mit Schaden zu belasten.

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Das Geschaffene mit seiner

Prozedur, ist jedoch wie ein Ring

einer Existenz stiftenden Kette

und deshalb kaum zu unterbrechen.

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Die Kunst, hier als „Hitparade“

des menschlichen Schaffens bezeichnet,

ist von einer hoffnungsvollen

Epiphanie geprägt. - Die Hoffnung auf

Formen des Seins,

die in der Gesellschaft noch-nicht Platz gefunden haben.

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Noch-nicht-mehr bezeichnet

einen schwebenden Zustand

zwischen

geformt und ungeformt,

zwischen

Hinfälligem und Neugeborenem,

zwischen

dem sich anhäufenden Pessimismus der Intelligenz

und dem angeborenem Optimismus des Willens.

So entstehen Dinge über Dinge

und dabei

der brennende nicht-mehr Gedanke

und der erfrischende noch-nicht Impuls.

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STANDBAUM / SPIELBAUM

Es ist noch nicht Frühling! Im Obstgarten mit den alten Apfelbäumen, liegen dicke Äste ruhig am Boden. Sie konnten das Gewicht durch Nässe und Schnee nicht mehr tragen und sind schliesslich vom Baumstamm gebrochen. Sie beherbergen nicht mehr die Nester und die Vögel, bieten nicht mehr den Tieren ihre Früchte an, nicht mehr Flüstern ihre Blätter mit dem Wind, nicht mehr verführen ihre Blüten die Bienen. Am Boden, weder Drama noch Traurigkeit ausstrahlend, friedlich, ganz still, und noch lange nicht tot…

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Mit ihren Knoten, Schwellungen, Farben und Formen, alles Zeugnisse einer wundersamen, naturverbundenen Leistung, faszinieren diese Äste den Künstler: Sie zu entsorgen ist keinen Gedanken wert. Der Künstler schleppt sie die Wiese entlang, mühevoll, da sich die Zweige an den Boden klammern, den Weg bremsend, dem Baum ein letztes Zeichen ihrer Angehörigkeit zeigend.

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Der Künstler sammelt sie in einer Ecke des Gartens, am Haus, dort senkrecht gegen die Wand anlehnend. In dieser Stellung, mehr als je zuvor, strahlen die Äste eine zyklopische Tragkraft aus. Zwei Äste sind frei von der Wand, auf einem Podest, leicht sich gegeneinander lehnend, aufgestellt. Diese Stellung ruft dem Künstler das „Standbein / Spielbein“ der akademischen Studien in Erinnerung. So bleiben diese Äste, im Gleichgewicht stehend, ein ganzes Jahr draussen, den Elementen ausgesetzt. Noch nicht Kunst, nicht mehr Baum …

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BILDNIS HERR x X.

Herr und Frau x X. sind leidenschaftliche Sammler von Artefakten, die Zeugnisse sind für die Erfahrungen, Lebenslust und Sensibilität des Paares, dessen Lebensumstände sie viele Jahre ins Ausland gebracht hatten.

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Nicht die verschiedenen Sandproben und Steinsammlungen, die Zeugnis sind für wissenschaftliche, geistige Aufmerksamkeit, auch nicht der Schmuck oder die Skulpturen von Elefanten, die von der Pflege einer eigenen Ästhetik und von der Bewunderung für fremde Kulturen zeugen, sondern die vier an der Wand hängenden Porträts von Vorfahrenden des Herrn x X., beeindrucken den Künstlern. Vater, Grossvater, Urgrossvater und Ururgrossvater, von Beruf Ingenieure, Physiker und Astronomen, wurden in dunklen Porträts, Kopf und Büste darstellend, verewigt. Da steht der Ururgrossvater, mit prächtigen, rötlichen dicken Koteletten und einem lebensfreudigen Lächeln. Hat er vielleicht einem Offizier Napoleons eins auf den Kopf gegeben und damit eine prominente Position in der Gesellschaft für sich gewonnen? Da steht der Vater, strenger Haarscheitel, Krawatte und Anzug der vierziger Jahre. Obwohl die Augenachse nicht ganz getroffen ist, vermittelt der Blick Wärme und Vertrauen in eine Zukunft, die noch nicht vorzustellen war.

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Herr x X., Vater von zwei Söhnen, findet die Idee, sich selber auch portraitieren zu lassen zwecklos, wenn nicht lächerlich. Natürlich hat er vollkommen recht… Dieser Gedanke aber, irritiert unseren Künstler. Es irritiert ihn, an diesem aussergewöhnlichen langfristigen Kettenspiel, nämlich „transgenerationelle Porträtmalerei“ nicht teilnehmen zu können. Die Bildniskette zu unterbrechen klingt wie…unsportlich… Der Irritation folgt die Traurigkeit. Die Traurigkeit wird von allen innen gespeicherten Bildern systematisch angegriffen und damit verarbeitet…nicht nur von inneren Bildern aber…

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Ein Bild, einen Kopf darstellend, gemalt vor einer Dekade und dann gelagert. Ein kleinformatiges, das noch keiner sah, überlebte, durch Hoffnung genährt, die periodisch auftretenden Zerstörungszüge des Künstlers. Dieses Bild, das seinen Platz noch nicht fand, fügt sich jetzt als Bildnis von Einem x X. ein, der sich eigentlich nicht mehr porträtieren lassen will.

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ÜBER DAS ZEICHNEN

Claudio — Mon, 13 Oct 2008 10:46:51 +0000

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cccferrari

für die Ausstellung “Arbeiten auf Papier” Galerie Toni Mueller, Bern, CH

Dez. 2008 / Jan. 2009

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Claudio Ferrari zeichnet mit Tusche oder Kohle.

Die Kohle- Zeichnungen weisen Merkmale der Malerei auf: Die Formate zeigen die Tendenz grösser zu werden, „Ripensamenti“, das heisst Änderung oder Korrekturen sind zu erkennen und die meisten tragen einen Titel als Beweis dafür, dass der Versuch einer Anordnung statt gefunden hat. Wie seine Malerei, zeigen die Kohlezeichnungen, mit den oben genannten Merkmalen, den Versuch einer „Entleerung“, die jenseits der religiösen Erfahrung einer Beichte als auch jenseits der weltlichen Erfahrung eines Geständnisses gehen kann. Latente Erzählung einer kosmischen Versöhnung. Diese Kohlezeichnungen dienen als Propädeutik zum chromatischen Ausdruck der Malerei.

Die Tusche- Zeichnungen haben eine andere Absicht. Als Titel tragen sie das Datum. Sie gelten dem Künstler als ontologischer Beweis seiner Existenz, eine Art „Ich zeichne, also bin ich“. Im Gegensatz zur Malerei, die die ständige Bewegung des Malers verlangt, entstehen die Tusche -Zeichnungen in grösster Bequemlichkeit: auf dem Sessel, Sofa, “Daybed“. Sie haben die wohltuende Wirkung einer Atmungsübung (daher die Lunge als Symbol für das grafische Werk auf der Website). Das Zeichnen mit Tusche unterbricht die lästigen Ketten von Gedanken und schafft eine Atmosphäre der Intimität. Ein stures Schwarz auf Weiss aus einer spitzen Kalligraphie-Feder stammend, verknüpft die Tusche- Zeichnungen mit traditionellen graphischen Techniken, dabei einen Hauch von der „Überheblichkeit der Wahrheit“ vermittelnd. Im Gegensatz dazu sorgt der Bildträger, sei es dünnes japanisches Papier, ehemaliges Luftpost Papier oder Reste von Passepartout- Karton dafür, dass diese grafischen Blätter nicht den missionarisch sich ausbreitenden Charakter eines Kupferdruckes annehmen, sondern ihre Feinfühligkeit einbringen.

Zeichnen ist eine „ pathologische Tätigkeit“, nicht normal für erwachsene Menschen. Dahinter steckt Faulendes… Das Gefährlichstes ist das „wirklichkeitsgetreue Zeichnen“, bei dem die erweckte Wahrnehmung versucht, das Gesehene zu analysieren und durch ein inneres Verfahren in ein Bild umzuwandeln. Die Kunst liegt darin die List, mit der die Wahrnehmung sich vergisst, zu durchschauen und nicht das Motiv der Gewohnheit des Sehens zu überlassen. Dies mag das sein, was Maurice Merleau-Ponty „den ersten philosophischen Akt “ nennt. Trotzdem ist diese Seherfahrung beim wirklichkeitsgetreuen Zeichnen keine normale Erfahrung. Die normale Wahrnehmung der Realität kann nicht auf eine Zeichnung reduziert werden, da sie keine rein optische, sondern eine mit anderen Sinnen verwebte ist. Die optische Analyse und ihr grafischer Ausdruck, die Zeichnung, haben der Welt kein Geheimnis entrissen, sondern die ganze Erfahrung des zeichnenden Betrachters modifiziert. Diese Erfahrung ist durch den als schmerzhaft erlebten Prozess der Begrenztheit geprägt. Die wirklichkeitsgetreue Zeichnung bleibt dadurch „abstrakt“, („abstrakt“ wurzelt in dem lateinischen Wort ab-strahere, abziehen, herleiten), da sie die Landschaft durch die Landkarte ersetzt und nur in einem geringen Masse “ dem Angeschauten” entspricht. Sie täuscht und enttäuscht. Für den Einstieg in das Gestalten, bleibt die Erfahrung des wirklichkeitsgetreuen Zeichnens unersetzbar. Sie vermittelt ein tieferes Verständnis der Kunst. Ein Gefühl des Selbstvertrauens tritt vielleicht am Ende des Tunnels der Frustrationen ein. Kein Wunder also, dass so viele Künstler oft dahin zurück kehren, um ihr Formgefühl erneut zu überprüfen und das „Learning by doing wrong“ wieder zu erlernen.

ALL SHINE ALL GLITTER

Claudio — Sat, 11 Oct 2008 18:54:14 +0000

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Invitation card for the exhibit in the Itowe gallery, Berlin, feb. 2008.

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ALL SHINE ALL GLITTER

BLACK WHITE GOLD.

ALL GOLD INDEED

SEEN THROUGH YOUNG EYES.

DOES A CHILD NOT ENJOY

MAGIC

THE FRESHEST OF VISIONS ?

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ALL THAT GLITTERS IS NOT GOLD

WARN EXPERIENCED EYES

NO LONGER TRUSTING

DEMANDING EVIDENCE INSTEAD.

AGAIN AND AGAIN

PROOF AND CERTAINTY.

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I-TO-WE LOVE GOLD

AND SHINE AND GLITTER TOO.

CLINGING TOGETHER

LIKE INFANT AND MOTHER

I-TO-WE CLING TO ART.

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ART

ANCESTOR OF RELIGIONS.

AGAIN

BELIEVING

BLIND FAITH.

DRAWING LINES

TRUTH IN BLACK AND WHITE.

SUGGESTING GOLD

ON THE PAINTED WALL…

MESMERISED

BY THE HIT-PARADE OF CREATIVITY.

FORGING DEVICES

CONFIDENT

OF THE SURVIVAL OF MEMORY.

POWERING VALUES

YET

STAYING WITHIN THE OLD RANGE.

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DID MY-TO-OUR VISION GET IN A TWIST ?

YOURS-TO-YOURS AS WELL ?

DISTINGUISHED FUN-SOCIETY MEMBER.

I-TO-WE A TRIFLE…

ART OF ART.

GOLD RUSH

ALL SHINE ALL GLITTER.

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